Những lý do không rõ ràng khiến chúng ta yêu thích một số bộ phim và cảm thấy khó bao dung với những bộ phim khác

2024 Tác giả: Malcolm Clapton | [email protected]. Sửa đổi lần cuối: 2023-12-17 04:15

Sự tinh tế trong chỉnh sửa, kỹ thuật máy ảnh và các thủ thuật khác cho phép bạn cảm nhận được bầu không khí.

Thông thường, khi bàn về điện ảnh, người ta nói về cốt truyện và diễn xuất. Tất nhiên, đây là những thành phần quan trọng của bất kỳ bộ phim nào. Nhưng nó xảy ra đến nỗi bạn không thể rời mắt khỏi một bức ảnh, mặc dù hành động phát triển rất chậm, và một câu chuyện khác nhanh chóng trở nên nhàm chán, mặc dù có rất nhiều sự kiện. Một số tác giả cố gắng làm cho người xem tin vào những cú ngoặt tuyệt vời nhất, trong khi những tác giả khác lại đưa ra những tình huống thực tế như đồ chơi. Và thật tuyệt khi xem một số cuốn băng, trong khi những cuốn khác rất khó.

Có điều, ngoài cốt truyện và diễn viên, còn rất nhiều kỹ xảo thú vị được các đạo diễn sử dụng để giúp người xem vừa cảm nhận được hành động vừa thích thú với những gì đang diễn ra trên màn ảnh. Những nét tinh tế này thậm chí có thể không được chú ý, nhưng chúng vẫn ảnh hưởng rất nhiều đến cảm nhận về bức tranh.

Quang phổ màu

Điều đầu tiên có thể nhận thấy là màu sắc trong phim thường không giống với ngoài đời chút nào. Nó có thể khá rõ ràng (ví dụ, nếu bức ảnh đen trắng), hoặc bạn không nhận ra ngay. Nhưng đây không phải là sự ngẫu nhiên.

Tạo bầu không khí

Với sự trợ giúp của màu sắc, bạn có thể truyền tải tốt hơn bầu không khí của những gì đang xảy ra, tạo ra tâm trạng cho người xem và thậm chí thể hiện cảm xúc của chính nhân vật.

Lấy loạt phim nổi tiếng X-Men làm ví dụ. Trong loạt phim chính, bức tranh tươi sáng và phong phú giống như truyện tranh. Và trái ngược với họ trong noir "Logan", nơi họ nói về tuổi già và sự mệt mỏi của người anh hùng, tông màu nhạt hơn được chọn.

Được chụp từ phim "X-Men: Apocalypse"

Được chụp từ phim "Logan"

Trong phim "Mad Max: Fury Road" hầu hết các pha hành động đều diễn ra ở một vùng sa mạc nóng bỏng. Hợp lý là bức ảnh được chụp với tông màu vàng cam, khiến bạn cảm thấy cái nắng gay gắt và khô.

Để rõ ràng, bạn có thể lấy một khung và thay đổi bảng màu. Nó sẽ ngay lập tức có vẻ như nó đã trở nên lạnh hơn.

Được chụp từ phim "Mad Max: Fury Road"

Khung giống nhau, nhưng có màu lạnh

Để tạo ra một bức tranh tương phản, các bộ phim bom tấn hiện đại và các rạp chiếu phim đại chúng nói chung được tạo ra nhiều màu xanh và cam hơn.

Nhưng Wes Anderson nổi tiếng yêu thích một bảng màu hồng nhạt. Nó tạo cho người xem cảm giác như một bộ phim tình cảm xưa cũ. Và mọi thứ diễn ra được nhìn nhận một cách bình tĩnh và dễ dàng hơn.

Khi họ muốn tạo ra một bầu không khí của tương lai và giả tưởng, họ cũng thường hướng đến phạm vi màu xanh lam. Và họ đặc biệt yêu thích màu neon, những màu được kết nối chắc chắn trong đầu người xem với cyberpunk và công nghệ.

Không cần phải nói, các nhà làm phim kinh dị thích những gam màu tối. Cái này có một vài nguyên nhân. Tất nhiên, đây là một cách để bơm khí quyển. Nhiều người vốn đã sợ bóng tối, và trong phim kinh dị cũng có những con quái vật ẩn náu trong đó.

Ngoài ra, hình ảnh tối cho phép bạn che đi một chút khuyết điểm của đồ họa hoặc trang điểm và tiết kiệm chi phí sản xuất. Đúng là có một điều nguy hiểm ở chỗ này: nếu bạn làm tối khung hình quá nhiều, thì người xem có thể chỉ đơn giản là không nhìn thấy những gì đang xảy ra trên màn hình, đặc biệt là trong một rạp chiếu phim tồi hoặc trên một chiếc TV cũ. Ví dụ, đây là trường hợp trong bộ phim Slenderman năm 2018.

Mặc dù một số đạo diễn ban đầu có thể chơi ngược lại. Ví dụ, Ari Astaire trong "Solstice" đã cho thấy bầu không khí điển hình của một bộ phim kinh dị: các anh hùng thấy mình trong một ngôi làng biệt lập, nơi những điều khủng khiếp xảy ra.

Nhưng đồng thời, bức tranh rất tươi sáng, hầu như không có cảnh tối nào trong đó, và quần áo của các anh hùng có màu trắng như tuyết. Và điều này càng làm cho nó trở nên đáng sợ hơn, bởi vì không có nơi nào để che giấu nỗi kinh hoàng.

Tách các bộ phận lô đất

Một bộ phim có thể có nhiều bộ lọc màu khác nhau. Chúng được sử dụng để phân tách các cốt truyện rõ ràng hơn. Và với tài năng phù hợp, cách tiếp cận này sẽ giúp làm sáng bức tranh.

Ma trận là một ví dụ tuyệt vời. Logo của băng này được làm bằng các ký hiệu mã màu xanh lá cây, biểu thị chương trình mà mọi người đang sống. Đó là lý do tại sao mọi thứ diễn ra trong thế giới ảo đều được quay qua một bộ lọc màu xanh lục. Và các sự kiện thực được hiển thị bằng màu xanh lam.

Một cảnh trong phim "The Matrix", hành động trong thế giới ảo

Một cảnh trong phim "The Matrix", hành động ngoài đời thực

Và chỉ đến cuối phần ba, khi con người và máy móc tham gia vào một thỏa thuận hòa bình, hai màu xanh dương và xanh lá cây thuần túy mới xuất hiện trong khung hình cùng một lúc.

Trong Inception của Christopher Nolan, các nhân vật chuyển từ thế giới thực sang trạng thái ngủ, sau đó ngủ trong giấc ngủ, v.v. Để phân tách rõ ràng hơn các "lớp", đạo diễn đã chọn cách phối màu riêng cho từng lớp.

Được chụp từ bộ phim "Inception", giấc mơ đầu tiên

Được chụp từ bộ phim "Inception", giấc mơ thứ hai

Được chụp từ bộ phim "Inception", giấc mơ thứ ba

Ở cấp độ đầu tiên của giấc ngủ, mọi thứ được quay trong bảng màu xanh lam, thứ hai là màu vàng, thứ ba là màu trắng. Và chỉ trong giấc mơ cuối cùng, tất cả các sắc thái lại kết hợp với nhau, như trong thế giới thực.

Trong Blade Runner 2049 của Denis Villeneuve, các màu sắc khác nhau phản ánh cả vị trí và trạng thái bên trong của nhân vật chính.

Được chụp từ phim "Blade Runner 2049"

Được chụp từ phim "Blade Runner 2049"

Được chụp từ phim "Blade Runner 2049"

Được chụp từ phim "Blade Runner 2049"

Tất cả bắt đầu với việc nhân vật của Ryan Gosling lang thang trong sương mù, sau đó anh ta đi qua một sa mạc màu cam nóng, chủ nghĩa tương lai neon và một trận lũ về đêm. Và câu chuyện kết thúc trên nền tuyết trắng, phản ánh sự bình lặng và thanh lọc.

Từ chối màu sắc

Ngày xưa, tất cả các bộ phim đều là phim đen trắng. Đơn giản vì họ không biết cách chụp khác và chỉ có thể tô màu khung hình bằng tay. Sau đó, phim màu ra đời và kỹ thuật quay phim trở nên chân thực hơn nhiều.

Nhưng đồng thời, nhiếp ảnh đen trắng không hoàn toàn là dĩ vãng. Chúng vẫn được sử dụng cho các mục đích nghệ thuật. Ví dụ: để phác họa các thế giới hoặc cốt truyện khác nhau.

Vì vậy, trong "The Wizard of Oz" năm 1939, màu sắc đã xuất hiện khi Dolly bước vào thế giới cổ tích.

Vẫn từ bộ phim "The Wizard of Oz", thế giới bình thường

Vẫn từ phim "The Wizard of Oz", xứ sở thần tiên

Trong tác phẩm "Người đi đường" của Andrei Tarkovsky, màu sắc cũng vắng bóng trong cuộc sống đời thường của những người anh hùng. Và khi các nhân vật đi vào "Vùng" thần bí, thế giới trở nên tươi sáng - chính nơi đây, con người mới thực sự bộc lộ bản thân.

Hoặc tất cả Christopher Nolan tương tự trong cuốn băng "Remember" đã cho thấy một phần của hành động theo thứ tự trực tiếp, và phần thứ hai - ngược lại. Do đó, một nửa bộ phim được quay bằng màu và phần còn lại là đen trắng.

Vẫn từ phim "Nhớ", đặt hàng trực tiếp

Vẫn từ phim "Nhớ", thứ tự ngược lại

Ngoài ra, một bức tranh đen trắng cho phép bạn làm nổi bật một số chi tiết sống động hơn bằng cách chỉ cần thêm màu cho chúng. Lần đầu tiên, Sergei Eisenstein làm được điều này khi ông tự tay vẽ lá cờ trên Chiến hạm Potemkin năm 1925.

Sau đó, kỹ thuật này được sử dụng trong các thể loại hoàn toàn khác nhau. Trong Danh sách Schindler của Steven Spielberg, sự xuất hiện của một cô gái mặc áo khoác đỏ trở thành một trong những khoảnh khắc xúc động nhất.

Và ngay cả trong bộ phim truyện tranh Thành phố tội lỗi, cách tiếp cận này được sử dụng lặp đi lặp lại, với điểm nhấn là son môi đỏ, mắt sáng hoặc máu.

Kết cấu khung

Quy tắc một phần ba

Một trong những nguyên tắc cơ bản của cả phim và nhiếp ảnh. Đây là một cái gì đó giống như một quy tắc đơn giản hóa của "tỷ lệ vàng".

Thật đơn giản: khi chụp, màn hình được chia thành ba phần theo chiều dọc và chiều ngang. Các yếu tố quan trọng nhất đối với cốt truyện phải nằm trên các đường này, cũng như tại giao điểm của chúng. Điều này sẽ giúp người xem dễ dàng tập trung vào những điểm mong muốn.

Đặt trong một hình vuông

Nếu bạn có điều kiện chia khung hình thành một nửa hoặc thành bốn phần bằng nhau, thì bạn có thể khiến người xem hiểu mà không cần từ ngữ về vị trí của nhân vật trong câu chuyện.

Kỹ thuật này được nhìn thấy rõ ràng nhất trong bộ phim "Drive" của Nicholas Winding Refn. Ví dụ, nếu khuôn mặt của nhân vật chính được hiển thị ở góc trên bên trái và trong khung tiếp theo một nhân vật khác xuất hiện ở cùng một vị trí, thì đây là một gợi ý rằng các nhân vật sẽ là đối thủ của nhau.

Ngoài ra, cùng một Refn có thể kể song song hai câu chuyện: ở phần trên và dưới của màn hình hoặc ở nửa trái và phải. Người xem có thể không nhận thấy sự di chuyển này, nhưng vẫn cảm nhận về các nhân vật sẽ đầy đủ hơn. Thêm vào đó, nó chỉ đẹp.

Đối diện

Một kỹ thuật tâm lý và thẩm mỹ đồng thời. Thông thường, những bức ảnh mà nửa bên trái phản chiếu nửa bên phải được thực hiện chỉ để làm đẹp.

Nhưng đôi khi chúng lại truyền tải sự đối lập của các nhân vật. Và nếu anh hùng nhìn vào gương, nó sẽ cho thấy mặt tối của anh ta hoặc sự khác biệt giữa giấc mơ và thực tế. Tóm lại, câu chuyện ngụ ngôn nào có thể nghĩ ra để suy ngẫm.

Vẫn từ bộ phim "2001: A Space Odyssey"

Chụp từ phim "The Shining"

A vẫn từ bộ phim "Joker".

Góc Hà Lan

Để thể hiện sự bất ổn của nhân vật chính, sự nghi ngờ của anh ta về điều gì đó hoặc các vấn đề về trí nhớ, họ sử dụng một kỹ thuật rất hình ảnh. "Góc kiểu Hà Lan" có nghĩa là máy ảnh không chụp thẳng mà quay nghiêng. Nhiều ví dụ về cách tiếp cận này có thể được tìm thấy trong các bộ phim của Danny Boyle.

Người xem thường nhìn vào bức tranh từ một góc độ khác thường, vì vậy họ cảm nhận rõ hơn trạng thái không thoải mái của nhân vật.

Tuy nhiên, điều quan trọng là phải quan sát các biện pháp ở đây. Ví dụ, bộ phim thảm họa "Battlefield: Earth" được quay hoàn toàn ở một góc nghiêng. Nhưng trong một tiếng rưỡi nữa, người xem rất có thể sẽ bị đau cổ.

Chụp từ bên dưới và từ trên cao

Một trong những kỹ thuật đơn giản nhưng hiệu quả khác cho phép bạn truyền tải cảm xúc của chính các anh hùng. Vì vậy, bạn có thể chỉ ra, chẳng hạn, ai là người làm chủ tình hình. Và sau đó tôi nhớ ngay đến đoạn băng của Quentin Tarantino, nơi các nhân vật nhìn xuống thân cây.

Được chụp từ phim "From Dusk Till Dawn"

Được chụp từ phim "Reservoir Dogs"

Và bắn từ trên cao xuống khiến bạn cảm thấy anh hùng cảm thấy bất an. Đây là cách họ diễn hài hước trong cảnh nổi tiếng của bộ phim "What Men Talk About", khi nhân vật của Kamil Larin, giống như một đứa trẻ, kiếm cớ cho người gác cửa trong một nhà hàng đắt tiền:

Đối thoại và chuyển động

Hành động nền

Một kỹ thuật thường được sử dụng trong phim hài hoặc kinh dị. Ở phía trước, không có gì thú vị xảy ra. Và tất cả những gì quan trọng nhất đều hiển thị trên nền, có thể bị tối hoặc mờ.

Ví dụ, nhân vật chính của bộ phim "Zombie Called Sean" đi đến cửa hàng. Mọi thứ đều rất trần tục đối với anh ấy. Và trong nền có một ngày tận thế thực sự:

Tùy thuộc vào thể loại và cách trình bày, điều này có thể tạo ra hiệu ứng rất hài hước hoặc căng thẳng - vì vậy thường những kẻ gây dựng chính bị che giấu trong các bộ phim kinh dị.

Các cuộc trò chuyện đang chuyển động

Kiểu đối thoại phổ biến nhất trong phim là các nhân vật ngồi trò chuyện. Trong trường hợp này, máy ảnh thường chuyển đổi giữa các khuôn mặt.

Nhưng nếu cảnh quay quá lâu, người xem sẽ cảm thấy mệt mỏi vì sự lặp lại liên tục của các góc quay giống nhau. Do đó, các đạo diễn giỏi hoặc bổ sung hoặc thay đổi bối cảnh của những cảnh như vậy.

Vì vậy, trong các bộ phim của Quentin Tarantino, các nhân vật gần như nói liên tục. Nhưng các bậc thầy không để bạn cảm thấy nhàm chán, bởi vì các cuộc đối thoại có thể diễn ra trong khi lái xe. Do phông nền thay đổi liên tục nên các pha hành động dường như không hề đơn điệu.

Và ngay cả khi các nhân vật ở trong cùng một phòng, máy ảnh không chuyển đổi như vậy. Cô ấy có thể di chuyển xung quanh họ, tạo ra hiệu ứng của sự hiện diện và thậm chí tham gia vào cuộc trò chuyện. Hầu hết tất cả các ký tự có thể được nhìn thấy mà không cần chỉnh sửa không cần thiết.

Nicholas Winding Refn quản lý để sử dụng trò chơi đã được đề cập với màu sắc và hình ảnh phản chiếu trong cuộc trò chuyện đơn giản. Trong Drive, đoạn hội thoại đầu tiên của các nhân vật chính trông rất đơn giản.

Nhưng đồng thời, nhân vật của Ryan Gosling luôn ở trên nền màu xanh lam (tông màu này đồng hành cùng anh trong suốt bộ phim). Và nhân vật nữ chính Carey Mulligan đứng bên những bức tường màu cam. Và điều này cho thấy có điều gì đó ngăn cách họ, mặc dù họ ở gần nhau.

Quy tắc 180 độ

Có một điểm quan trọng nữa trong quá trình quay phim. Nếu bạn di chuyển máy ảnh hơn 180 độ khi thay đổi góc độ, người xem sẽ trở nên bối rối. Ví dụ, khi anh hùng đang chạy, nó sẽ xuất hiện rằng anh ta đã quay lại và đang di chuyển theo hướng ngược lại.

Và điều này cũng quan trọng không kém ngay cả trong các cuộc đối thoại. Để không tạo ra ấn tượng rằng tất cả mọi người trong khung hình đều di chuyển đột ngột, người điều khiển và đạo diễn chọn một đường nhất định mà máy ảnh không nên đi.

Người ta tò mò rằng một sự cố tình vi phạm quy tắc này có thể được sử dụng chỉ để gây nhầm lẫn cho người xem, để thể hiện sự bối rối của người anh hùng. Và với trí tưởng tượng phù hợp, các tác giả tạo ra những cảnh khác thường hơn. Ví dụ, cuộc trò chuyện của Gollum với chính mình. Nhân vật được thể hiện đơn giản từ các phía khác nhau, nhưng điều này tạo ra hiệu ứng rằng có hai người nói và họ đang đối thoại.

Các tính năng cài đặt

Chỉnh sửa cho phép bạn làm cho các hành động của phim trở nên năng động hơn, "bỏ qua" những khoảnh khắc nhàm chán của cuộc sống và cho phép bạn nhìn những gì đang xảy ra từ các quan điểm khác nhau. Hình thức đơn giản nhất của nó là tường thuật. Tức là các sự kiện trong khung lần lượt diễn ra. Điều này đã được giải thích rõ ràng nhất trong The Man from Boulevard des Capucines.

Nhưng bạn có thể chiếu các sự kiện của phim theo một cách khác, và để làm được điều này, họ sử dụng các kỹ thuật khác nhau.

Cài đặt song song

Trái ngược với cách kể chuyện theo trình tự, đôi khi tác giả muốn khán giả nhìn thấy những gì đang xảy ra cùng một lúc ở những nơi khác nhau. Và sau đó các đạo diễn chuyển sang biên tập song song.

Điều này làm cho cốt truyện trở nên hấp dẫn hơn. Nhưng bạn cần phải cẩn thận. Rốt cuộc, nếu bạn chiếu lần lượt các cảnh diễn ra cùng một lúc, bạn có thể có ấn tượng rằng mỗi cảnh trong số chúng tồn tại lâu hơn.

Một ví dụ nổi bật của việc biên tập song song không thành công là "Furious-6". Các anh hùng đang cố gắng trốn thoát trên một chiếc máy bay đang chạy dọc theo đường băng, những chiếc ô tô đang đuổi theo họ, và một cuộc chiến diễn ra bên trong tấm lót.

Các tác giả chứng minh nhiều sự kiện cùng một lúc mà trên màn hình dường như máy bay tăng tốc trong ít nhất 15 phút. Không cần phải nói, điều này giết chết tất cả tính hiện thực của tình hình?

Mặt khác, Christopher Nolan được nhiều người coi là bậc thầy về biên tập song song. Đạo diễn sử dụng nó trong nhiều tác phẩm của mình, nhưng The Beginning là ví dụ điển hình nhất. Các sự kiện ở các mức độ khác nhau của giấc ngủ xảy ra đồng thời và với tốc độ khác nhau (khi ngủ sâu hơn, thời gian di chuyển chậm hơn).

Ở đây, sự phân tách màu sắc đã được đề cập đến được thêm vào hành động và người xem không bị nhầm lẫn về những gì đang xảy ra, mà nhận ra toàn bộ tính toàn cục của các sự kiện.

Nhân tiện, thật thú vị là trong phim "Dunkirk" Nolan còn hóm hỉnh hơn với kỹ xảo này. Nó thể hiện song song các sự kiện diễn ra trên mặt đất, dưới nước và trên không. Trên thực tế, niên đại hoàn toàn khác nhau, và mọi thứ chỉ hội tụ trong đêm chung kết.

Hồi tưởng và Chuyển tiếp Flash

Đôi khi các tác giả nhúng ký ức của họ từ quá khứ - hồi tưởng - vào câu chuyện tuyến tính của các anh hùng. Đây có thể là những khoảnh khắc rất ngắn trong vài giây hoặc toàn bộ cốt truyện.

Một người hâm mộ lớn của những khoảnh khắc như vậy là Jean-Marc Vallee. Do đó, anh ấy làm tăng thêm sự căng thẳng cho những cảnh có vẻ bình lặng. Hoặc anh ta nói rõ rằng nhân vật đang lừa dối ai đó: anh ta nói một điều, nhưng điều gì đó hoàn toàn khác lại xuất hiện trong ký ức của anh ta.

Không khó để đoán rằng flashforwards là những câu chuyện giống nhau, nhưng từ tương lai. Chúng ít được sử dụng hơn, thường là trong các câu chuyện khoa học viễn tưởng hoặc thần bí. Trên một kỹ thuật như vậy, họ thậm chí còn xây dựng cả một loạt phim, trong đó, trong một lần nhật thực nhất định, mỗi người nhìn thấy một khoảnh khắc nào đó từ tương lai của mình.

Và xa hơn trong cốt truyện, mọi người đang cố gắng tìm ra lý do cho những gì đã xảy ra và hiểu ý nghĩa của tầm nhìn của họ. Bộ truyện được đặt tên như vậy: Nhanh chóng (trong bản dịch tiếng Nga - "Hãy nhớ những gì sẽ xảy ra"). Đúng, anh ấy chỉ tồn tại một mùa giải.

Jump-cut

Kỹ thuật này đã áp dụng cho việc chỉnh sửa tuyến tính. Nó có nghĩa là một sự chuyển đổi sắc nét giữa các khung hình. Họ sử dụng nó cho những mục đích hoàn toàn khác nhau.

Trong Little Shop of Horrors của Frank Oz, cách dựng phim như vậy giúp thể hiện thời gian trôi qua dài và nhàm chán.

Nhưng Lars von Trier, người cũng thường sử dụng jump-cut trong các tác phẩm của mình, truyền tải cảm xúc căng thẳng và tâm lý bất ổn của nhân vật theo cách này. Chụp thế này càng khiến bức ảnh "căng" hơn. Trong băng "Idiots", điều này rất thích hợp:

Chỉnh sửa hình dạng và âm thanh

Để các sự kiện khác nhau được chiếu trong phim được coi là tiếp nối nhau, các tác giả thường sử dụng hình ảnh trùng hợp trực quan. Nghĩa là, các đường viền của một số đối tượng trong một khung hình được lặp lại trong phần tiếp theo. Và đôi khi nó có thể trông rất hóm hỉnh.

Tương tự như vậy, bạn có thể "câu" người xem bằng âm thanh. Tiếng hét tiếp tục với tiếng còi của lò hấp, và tiếng ầm ầm công nghiệp được thay thế bằng âm nhạc có cùng nhịp độ. Hoặc tiếng rít của đường ống bị hỏng sẽ biến thành tiếng kêu rắc rắc của thịt nướng.

Ngoài ra, âm thanh có thể đi trước hoặc trễ hơn một chút so với những gì hiển thị trên màn hình. Điều này được thực hiện để làm cho các cảnh kết nối với nhau hơn. Tức là, người xem vẫn nghe thấy tiếng nói và tiếng sột soạt từ khung hình trước đó, nhưng hành động đã thay đổi. Hoặc ngược lại.

Thiếu cài đặt

Đây là một bước đi táo bạo: các đạo diễn quay những cảnh dài mà không cần chỉnh sửa gì cả, hoặc che giấu nó bằng nhiều cách khác nhau.

Điều này làm cho những gì đang diễn ra trên màn hình trở nên chân thực hơn, tạo cho người xem cảm giác về nhịp độ của chính câu chuyện. Tuy nhiên, tất nhiên, cách tiếp cận này đòi hỏi sự tập luyện và đầu tư nhiều hơn nữa. Rốt cuộc, trong quá trình xử lý, bạn có thể cắt bỏ những điều nhỏ nhặt không thành công.

Vì vậy, Joe Wright trong bộ phim "Atonement" đã chiếu một cảnh dài 5 phút với cuộc di tản quân khỏi Dunkirk trong Thế chiến thứ hai. 1.300 người đã tham gia vào cảnh đám đông, với các thiết bị di chuyển trong khung và các vụ nổ xảy ra ở hậu cảnh. Chính cách làm này đã truyền tải tất cả sự u ám và hỗn loạn của những gì đang diễn ra.

Các công nghệ hiện đại giúp bạn có thể xử lý việc lắp đặt một cách chính xác hơn. Và nó đã giúp Alejandro Gonzalez Iñarrit bắn Birdman. Trong đó, bạn thậm chí không nhận thấy ngay rằng toàn bộ hành động được hiển thị trong một khung hình liên tục.

Trên thực tế, việc dựng phim là có, nhưng ẩn. Các vết nối được tạo ra khi máy ảnh đi qua một phần tử tối nào đó.

Và "Russian Ark" của Alexander Sokurov trông còn mạnh mẽ hơn. Hành động diễn ra trong Hermitage, và đạo diễn được giao một ngày để quay phim. Vì vậy, anh quyết định chụp bức tranh mà không cần dán.

Phải mất bảy tháng tập dượt với 800 lượt bổ sung. Kết quả là từ lần chụp thứ ba, họ quay cả một bộ phim với thời lượng 1 giờ 27 phút.

Trên thực tế, có nhiều sự tinh tế hơn thế. Nhưng nhiều người trong số họ đã yêu cầu kiến thức sâu về đạo diễn và quay phim. Đây chỉ là những ví dụ đơn giản có thể thấy trong nhiều bộ phim. Và khi xem những bức hình tiếp theo, chắc chắn bạn sẽ bị "góc Hà Lan" hay một khung hình dài không qua chỉnh sửa. Nhưng điều này sẽ không phá hủy sự kỳ diệu của điện ảnh, mà ngược lại, sẽ khiến việc xem phim trở nên thú vị hơn.